BON MARCHE, Paris, Janvier-Février 2017
GALERIE MENNOUR, Paris, Janvier-Mars 2017
Ohhhhhhhhh ! La nouvelle installation de Chiharu Shiota est tout simplement superbe ! Après Ai Weiwei, celle-ci investit les vitrines et surtout le cœur du Bon marché. S’il est toujours un peu déroutant de venir contempler de l’art contemporain dans un grand magasin, l’artiste japonaise relève le défi avec beaucoup de dextérité. La technique est la même que pour ses oeuvres de plus petite échelle, l’artiste peint avec du fil, du fil de coton, se libérant ainsi de la contrainte spatiale de la toile. La couleur en revanche, blanche, est inédite pour elle, qui enferme habituellement des objets marqués par le temps et la mémoire dans un réseau de fils noirs ou rouges.
Il s’agit d’un clin d’œil au fondateur du magasin, Aristide Boucicaut, inventeur du mois du blanc. Le fil se développe en réseaux, métaphore possible de la complexité des relations humaines, nous indique l’artiste dans une vidéo qui accompagne les œuvres.Les vitrines sont toujours des espaces difficiles à habiter, de par les reflets de la rue qui gênent leur contemplation et le caractère limité de l’espace qu’elles définissent : Shiota y déploie des œuvres plutôt modestes, simples réseaux de fils blancs pour la plupart, lesquels enferment par endroit la silhouette épurée d’un bateau ou encore des cartes géographiques anciennes, introduction à la thématique du voyage.
Mais l’installation la plus bouleversante est constituée de deux suspensions au centre du grand magasin, « Where are we going », constituées de 150 bateaux tissés de blanc, meurtris par endroit et emportés dans un mouvement magistral, comme par une vague imaginaire. Le blanc traduit l’écume, la nuée, et plus encore la légèreté féérique et floconneuse de la neige. L’ensemble, changeant en fonction du point d’observation que l’on adopte, se révèle d’une grande beauté, d’une grande délicatesse et d’une poésie insoupçonnée. Quant à « Memory of the ocean », il s’agit d’une installation jouant avec l’architecture, alternance d’ouvertures et de pilastres de fils de laine, dans laquelle le visiteur est appelé à pénétrer et cheminer. A voir !
L’un des espaces de la galerie Mennour conserve les traces d’une impressionnante performance de Robin Rhode dont on peut visionner la video. Un ensemble d’objets couverts de peinture noire retenus pour la plupart à des cordes et projetés, déplacés, appuyés avec violence contre le mur par l’artiste : un vélo, un escabeau, un matelas à ressorts, une valise etc. Le rapport entre le corps et le mur –écran ouvrant pour Rhode sur un autre monde- est effectivement crucial pour lui.
Si les objets une fois performés sont redevenus silencieux et inertes, les traces demeurent au mur, mémoire de la performance au cours de laquelle l’artiste, au terme d’une marche vigoureuse dans l’espace d’exposition, s’emparait avec force de l’un ou de l’autre pour marquer la blancheur des murs puis se plonger ensuite dans une baignoire d’encre noire. Rhode « met en scène une interaction entre des corps vivants, qui tentent de maîtriser les ressorts de leur destinée, et des objets inertes, à la fonction prédéfinie, mais que la magie de la chorégraphie et du dessin est susceptible de modifier poétiquement et irrémédiablement ».
La même galerie présente par ailleurs un ensemble de peintures de l’américain Liam Everett, « panem et circen ». Des œuvres surprenantes, témoignant d’un long processus de création fait d’addition et de soustraction, de construction et de déconstruction, de strates quasi archéologiques travaillées successivement dans la verticalité et à même le sol et soumises à l’abrasion des éléments (soleil, vent, sel, alcool). L’artiste évoque d’ailleurs sa quête d’une œuvre toujours « au travail » plutôt que définitivement achevée.
